歌词排列从头至尾没有停顿，没有标点。有人说窦唯自己也不知道在唱些什么，从那些说什么都必须有“意义”的人的角度来说，的确如此罢，呵…… 对于这样一些“不可思议”的句子，它们只能给人以模糊的感受。这种“感受性”只是作为潜在的可能性存在于听者的身上，它的意义只能通过听者个人的生活与其构成的联系而表现出来，就这些句子本身而言，是无法解读的

崔健和窦唯这两个极具个性的人，在中国的原创音乐中可谓是超重量的人物，他们的每张专辑，每部作品，每场演唱会都给人们带来极具震撼的影响，但他们的风格却极为迥异，我常常在想，他们到底是什麽样的人呢？

怀念雨生，并非一时兴起的心情，或许是因为快要毕业了吧，怀旧的心情总是特别的强烈。深锁落寞的夜，一个人听着雨生的《大海》， 任感情和思绪在那歌声里游荡。总想写点什么东西来告慰这落寞的心情，告慰人生路的艰辛，告慰雨生的世界。然而现在，倒是希望象雨生那样在纷飞的雨中死去，死了，灵魂还在，道理就是这么简单。

刀郎的走红，缘于专辑《2002年的第一场雪》的发行。当“2002年的第一场雪/比以往时候来得更晚一些……”的歌声在大街小巷回荡时，我们禁不住重新审视着手中的歌碟，这样一张薄薄的唱片究竟包含了怎样的魔力？6月10日上午，还在睡梦中的著名乐评人颜峻被记者的电话吵醒，一听到刀郎两个字，他似乎立刻“神志清醒”。对于这样一张火遍大江南北的唱片，颜峻的评价却简短到只有两个字----一般。“这是一张制作成本极低、录制也很简单的唱片。从配器、编曲上讲这张专辑很普通，甚至它的水准还略低于现在一般唱片公司的平均制作线，似乎还停留在上个世纪80年代的状态。”

太多人听过刀郎的歌，但很少人知道他长什么样——歌手刀郎没有进行起码的宣传、没有MV、没怎么打过榜，也几乎没接受记者采访，甚至他的照片都很难找到。与一掷百万打造偶像的唱片公司模式截然不同，刀郎创造了一场非典型流行，让不少专业人士吃惊——原来流行也可以如此简单。有一种市场推测称，现在刀郎的唱片销售量可能在600万张(不含盗版)，是国内最近10年销量最大的一张唱片

一个孩子的成长，越过树林，越过湖泊，越过海洋，有些东西成为他生命里永远的记忆，有些音乐成为他骨头里不变的髓。岁月恒久远，经典永留传。有些摇滚给我们的印记将永远不能从我们的头脑中抹去，音乐也好，垃圾也罢，我们不能忘记的，就是属于我们的，伤，或者痛，或者爱。

摇滚，乃其最重的一支——金属，因着对人们激情的诱发，长期以来一直是为基督教所深恶痛绝的对象。但它向那些“道德”的固定侵袭并没能取得丝毫进展，反被逐渐剥夺了发言权。毕竟，在嵌入教会伪善面具已达九年的西方社会，绝大部分音乐/艺术充其量只是精神茶会，而层出不穷的地下/极端音乐亦无非是变着花样继续着学究式的讨论

电子音乐的百年史

前言：总有人问关于blues和jazz区别的问题，这确实不好回答。我查阅了很多资料，写了这片文章，只是从历史发展的方面简要的说了一下，很片面，但至少会从感性的方面给大家一些启示，希望大家能够细心阅读，说出一些你的了解或者理解，此文章暂做一个抛砖引玉的作用吧！:)

从另一个角度来看，窦唯的梦和幻境，可能更像是一种治疗，一种对自身精神生活的调节。他把自己完全地投人到音乐中，强调每一声、每一曲的功效，那个由玄奥的古汉语词汇构成的世界里，窦唯是如此孤独，除了山水和心灵，简直一无所有。我们可能要像期待一位大师那样，期待窦唯在10年以后的博大而今天的窦唯，却主要属于对音乐毫无要求的所谓小资，这是不公平的。尽管这种不公平，的确存在于我们音乐生活的每一个角落

哥特音乐是我们的入口：有很多东西本身并非哥特式的，但却为许多哥特所钟爱。例如工业（Industry）和古典（Classic）音乐；相反，有些哥特式事物却并非某些哥特乐队的兴趣，例如对吸血鬼和对死亡的兴趣；有些乐队并非哥特，却被认作是哥特，如Marilyn Mason（玛莉莲·曼森）、Nine Inch Nails（九根寸钉）；而还有些乐队从不自称哥特，大多数人却将其看作哥特，例如The Sisters Of Mercy（仁慈的姐妹们，以下简称为Sisters）和Dead Can Dance（死者能舞）。

和其它所有的艺术形式一样，音乐艺术的发展绝不是在一个封闭的环境里实现的，社会的发展、人类文化的整体进步等都无一例外地对音乐的发展产生过影响。本文试图以美国为例，谈谈音响技术的发展对音乐形式的进化所产生的巨大影响

想一想我们在过去某些年代只用简易的随身听、或者通过收音机收听广播里的歌曲时，我们那些忽然涌现的真实的感动与感受又是为何？只为了那些音乐真实而真诚地触及了我们心灵中隐藏的一些记忆和梦想。摇滚音乐发展到今天，是形式还是内容使我们对它给予了那么多的关注？我们对摇滚的理解是为形式还是内容？

爵士乐以其独特的魅力赢得了广大 听众的喜爱,同时也得到了音乐领域各界人士的认可。爵士乐以布鲁斯（Blues）和拉格泰姆(Ragtime)为源头,经过整整一个世纪的发展,如今已是异彩纷呈、百花齐放。 自从1917年第一张爵士唱片诞生以来,它便显示出了巨大的潜力。 30年代以前的早期爵士乐 、30 年代大乐队(Big Band)演奏的摇摆乐(Swing)、 40年代的比博普(Bebop)、 40 年代末的冷爵士(Cool Jazz)、 50年代的硬博普(Hard Bop) 、60 年代的自由爵士(Free Jazz) 、70 年代以后的摇滚爵士(Jazz-Rock),而后拉丁爵士(Latin Jazz) 、融合爵士(Fusion Jazz)… …一张张爵士唱片汇集成了一部爵士乐发展史。

我们经常因为强烈的欲望与渴求而受苦，由于曾经体验过与某件事物有关且无法控制的“快乐”感觉。当这种感觉升起的时候，必须检查并且清楚的看见，究竟是怎么一回事。这些快乐的感觉，为何会造成渴求与欲望的不安？同样，当你不快乐的时候，要查清楚，为什么这种感觉会自动导致仇恨？有时候，对事情是既不快乐，也不是不快乐，这种中性的感觉，往往导致心理混沌，那是一种无知的状态——你根本不想理会或对抗。这三种对内心经验的反应，不一定很粗浮，往往非常细微，难以察觉。

“退化”本该是事物到达极至后应出现的必有规律。可中国摇滚乐在距离极至尚远的情况下就已经开始了退化，这是现状——没人能回避的现状，有许多人会站出来强打起精神反对的现状。

有时，变革和发展与形式无关，有时则有关。香港的最高电影奖项香港金像奖中电影配乐奖的名称一直在变，第二届到第七届：最佳电影音乐。第八届到地十五届：最佳电影配乐。第十六届至今：最佳原创电影配乐，这就是香港金像奖对待电影音乐的态度。我们可以认为，这多少可以浓缩一点地看出香港电影界对电影音乐的原创性是逐步重视的。虽然，它仍任重而道远

幸福就这么简单，如果你懒得去制造，你一定无法体会半夜的一碗杂酱能让我幸福得直嚷嚷，我还要跑到隔壁房间苦瓜面前去跳一段草裙舞，不把他弄得喷鼻血不算完。

然而如果王菲仅仅是个凭声音打动我的歌手，我也绝无理由如此迷恋，很长的一段时间里，我开始琢磨何以有如此多的人如我一样，陶醉于这个女子如春燕呢喃般的吟唱。慢慢听得多了，也算听出些门道，加上与欧美一些实力女歌手唱法相印证比较，对王菲逾听逾是心惊，既惊于这个女子对于流行音乐的敏锐触觉和天赋悟性，更惊于其高超的歌艺，把声学的各种巧妙运用地蕴藏于自然平淡中。

现在漫画圈子盛吹东瀛风之际，乐坛也流行起了日本风和韩国风，狂迷欧美流行摇滚乐的CLERIC实在是有点看不下去，所以无论如何也要为欧美的乐手们正正名。当初CLERIC在没有迷上漫画之前就已经非常喜欢欧美的POP和ROCK，所以在听了N年的欧美之后，再来看看现在流行的日韩音乐，真是哭笑不得的说，现在所谓视觉系的歌手乐队们如果除掉他们那绚丽的形象后还能剩下什么呢？说到底，音乐是用来听的，漫画才是用来看的（笑）。几个月前CLERIC在音像杂志和哈日族的轮番劝说下买了一张日本"天王级"乐队GLAY的CD，听了之后，觉得没什么特别的嘛，比起当年的XJAPAN来真是太……这种演奏和演唱水平的乐队在欧美到处都是……视觉系乐队在音乐上唯一给我留下深刻印象的大概只有彩虹了……汗。不过退一步说，能够组成BAND，自己创作自己演奏，就已经很不简单，应该鼓励！所以日本的乐队水平虽然参差不齐，但是比起只有偶像组合的韩国要好多了，韩国音乐…………我不说不说，省得引起公愤